Informazioni su Lady Justice

Potrei scrivere un libro, "L'arte di non piacere alla gente". Ora conforti tu le membra mie spossate, hai accolto sul tuo grembo la mia testa ora che dai miei viaggi son tornato: giacché ogni mio vagare era un venire a te. Alla Malinconia, Herman Hesse - Un po' di ciò che ascolto in ordine sparso: Pink Floyd, Deep Purple, Led Zeppelin, Black Sabbath, Genesis, Blue Oyster Cult, Kansas, Styx, Emerson Lake & Palmer, Camel, Yes, Procol Harum, Freedom, Vanilla Fudge, Van der Graaf Generator, Supertramp, King Crimson, Soft Machine, Beatles, Rolling Stones, Bob Dylan, Dire Straits, Eric Clapton, Simon & Garfunkel, Velvet Underground & Nico, Lou Reed, The Cure, David Bowie, Iggy Pop & The Stooges, Tori Amos, Police, Joy Division, The Smiths, Regina Spektor, Liz Phair, Scorpions, Tesla, Placebo, Bauhaus, Counting Crows, Cocteau Twins, The Animals, Greateful Dead, The Zombies, The Mama's & The Papa's, Fleetwood Mac, Depeche Mode, Massive Attack, Air, Aphex Twin, The Prodigy, The Chemical Brothers, Royksopp, Boards of Canada, Schneider TM, Portishead, Kraftwerk, Inxs, Tears for Fears, The Sister of Mercy, The Veils, Roxette, Opeth, Porcupine Tree, Metallica, Katatonia, Anathema, Maudlin of the Well, Solefald, Arcturus, Between the Buried and Me, Impaled Northern Moonforest, Ulver, Burzum, Behemoth, Immortal, My Dying Bride, Franco Battiato, Lucio Battisti, Ennio Morricone, Elio e le Storie Tese, PFM, Bluvertigo, Diaframma, Donatella Rettore, Tenco, Bindi, Ciampi, Fabrizio de André, Ivan Graziani, Battisti, Patty Pravo, Ornella Vanoni, Jaco Pastorius, Weather Report, Johnny Cash, Woody Guthrie Wes Montgomery, Chet Baker, Mike Stern, Al di Meola, Pat Metheny, Uri Caine, Bill Frisell, Keith Jarrett, Bill Evans, John Coltrane, Chick Corea, Stan Getz, Charles Mingus - I miei registi preferiti: David Lynch, Alejandro Jodorowsky, Quentin Tarantino, Nanni Moretti - Idoli di sempre: Jean-Paul Sartre

Gli ultimi due film di Alejandro Jodorowsky – E’ possibile vivere come poetas en acciòn

In evidenza

In quella realtà in cui mi sentivo straniero, tutto si intrecciava con tutto, in una trama di sofferenza e piacere. (La Danza della Realtà)

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Correva l’anno 2008 quando, dopo aver visto El Topo, Fando y Lis, La Montagna Sacra, Santa Sangre e addirittura l’evitabile Ladro dell’Arcobaleno cercavo in ogni modo di procurarmi l’ultimo suo film che mi mancava alla lista, Tusk, una pellicola del 1980 reperibile solo in francese e qualità video da vhs scassata, e che non sembrava neanche un granché in quanto a significato e sceneggiatura.

Quando poi, un bel giorno scopro, mentre mi ero distratta un attimo presa da altre cose, che dei vari progetti annunciati da Jodo negli ultimi anni non ce n’era neanche l’ombra, ma in compenso erano usciti nel 2013 e nel 2016 i primi due episodi tratti da La danza della realtà, la sua autobiografia del 2006 e che ovviamente avevo letto. La danza della realtà era un libro davvero buono, cosa piuttosto rara da verificare e poi ammettere quando si acquista un libro di un autore che non sia ancora morto. Inoltre nela trasposizione da vita vera a libro e successivamente da libro a film non si incorre poi nei soliti problemi che hanno i film tratti dai libri: qui autore del libro e regista del film coincidono, e così anche le “visioni” contenute in entrambi.

Questi due film-autobiografia, dai titoli “La danza della realtà” e “Poesia senza fine” sono uno il seguito dell’altro, ma affrontano due periodi slegati dell’autore risultando così completamente indipendenti l’uno dall’altro e diversi nei temi. E non coprendo affatto l’intero libro, ma solo le prime due parti, lasciano presagire che ne seguiranno altri. Per quanto visionari, essi sono anche intimi, religiosi, meno aspri e ribelli delle pellicole giovanili come El Topo e La montagna sacra. Nel bene e nel male, sono anche meno epocali e sembra che Alejandro voglia metterci la sua vita nelle nostre mani, per poi tirare con noi le somme. Non sto dicendo che questi due film siano convenzionali o facili da digerire, sia chiaro: sono pieni delle bizzarrie del poeta-scrittore-psicomago cileno, ma si tratta di stranezze più malleabili, come quelle di Santa Sangre, per intenderci. Non mancano scene capaci di lasciare perplesso lo spettatore bigotto di turno, ma nel complesso i due film risultano più che comprensibili. E anche se non cambieranno la storia del cinema, sono eccellenti, al punto che dopo aver visto questi potrebbe anche passarvi la voglia di vedere dell’altro per sei mesi.

Il primo dei due, La danza della realtà (che è il titolo sia del libro che del primo film), è stato presentato al Festival di Cannes nel 2013 e copre tutta la parte dell’infanzia dell’autore. E’ immaginifico, mostra come gli occhi di un bambino possano confondere realtà e sogno, al punto da vivere, costantemente, in un mondo ibrido delle due cose. Questo è possibile e non è un escamotage letterario o cinematografico, ed è vero quanto è vero Jodorowsky. La sua città di origine, Tocopilla, è di una bruttezza che fa male, e al tempo stesso il suo malessere diventa una causa di bellezza. E’ dalla bruttezza che nascono i sogni, le aspirazioni, il tormento creativo. Quando in un cumulo di macerie, sbagliate, si riesce a vedere qualcosa di più, è lì che parte il processo della creazione.

Il secondo, Poesia senza fine (Poesia sin fin, Endless Poetry), anche questo presentato al festival di Cannes (nel 2016) è imbevuto di un’atmosfera diversa, quella cupa della notte e delle prime relazioni sentimentali di Alejandro. L’incontro con Stella, e al contempo con la poesia (Stella Dìaz Varìn è una poetessa cilena realmente esistita) è l’elemento portante della prima parte del film. Poesia sin fin suggerisce, nella sua bellezza e nella miriade di frasi degne di nota nei dialoghi, lo spunto per avvicinarsi anche ad altri due poeti cileni, Nicanor Parra e Enrique Lihn, con cui Jodorowsky strinse amicizia. Era proprio la sua Stella che aveva ispirato il famoso poema “La Vipera” di Nicanor Parra, e inizialmente Jodorowsky rimase molto colpito dal fatto di poter conoscere dal vivo Nicanor, che considerava una personalità irraggiungibile.

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La poetessa cilena Stella Dìaz Varìn (1926-2006)

Nicanor Parra era della generazione precedente rispetto a Jodorowsky. Nato nel ’14 (Jodorowsky è del ’29) ed esponente dell’antipoesia, si contrapponeva alla poesia classica cilena che in quel periodo era rappresentata da Neruda. Jodorowsky, avvicinatosi all’ambiente creativo di Tocopilla tramite il cugino, conosce così il suo mito, Nicanor Parra, e la sua prima fidanzata, Stella (la quale gli dirà: “Tu sei vergine. Tu sei puro, come un pierrot romantico.”)
Nicanor, docente universitario di matematica e fisica, compare anche in una parte cruciale alla fine del film. Interpellato da Jodorowsky che lo cerca per chiedergli che cosa fare della propria vita, Nicanor gli darà un consiglio che Alejandro non ascolterà affatto. Nicanor Parra sosteneva infatti che Alejandro dovesse trovarsi un lavoro normale, come lui stesso aveva fatto: un lavoro come quello di professore che gli avrebbe permesso di sopravvivere e solo parallelamente dedicarsi alla poesia. Poesia senza fine si conclude con il rifiuto categorico di questo consiglio e con Alejandro che finalmente lascia l’oppressiva città di Tocopilla per recarsi in Europa, dove poi sappiamo che troverà numerose strade, e la sua fortuna.

L’altro poeta cileno realmente esistito che appare in Poesia senza fine è Enrique Lihn, che diventa amico di Alejandro nella seconda parte del film, dopo la conclusione della storia con Stella. Alejandro stima moltissimo la poesia di Lihn, e decide per questo di entrare in contatto con lui. Fra i due nasce una splendida amicizia, dovuta ad una chiara sintonia, e ravvivano la città di Tocopilla con il loro modo di vivere e di intendere la vita: essi sono poeti, poeti in azione (“poetas en acciòn). Il loro modo estroso di agire è quello di un surrealismo che entra a far parte della quotidianità, molto simile tra l’altro a certe azioni futuriste di quel periodo. Hanno una lite solo nel momento in cui Lihn e la sua ragazza rompono. Jodorowsky, dopo averla salvata da un momento di grave sconforto, consuma un rapporto con lei. “Il sangue è sacro”, dirà, constatando che la ragazza ha le mestruazioni. Una ragazza tra l’altro, affetta anche da nanosomia: la deformità è un’altra costante dei film di Jodorowsky.

Sia di Nicanor Parra che di Lihn tradotto in italiano non è reperibile quasi nulla. Sembra che la poesia cilena in Italia non vada molto oltre Neruda, a meno che non ci si voglia dedicare in autonomia alle traduzioni dallo spagnolo. Neanche di Stella Diaz Varìn non è facilmente reperibile niente. L’unico libro disponibile attualmente in commercio nelle librerie convenzionali è un volume di Medusa Edizioni di Nicanor Parra, “Le Montagne Russe“.

“Io ti perdono, padre, tu mi hai dato la forza di sopportare questo mondo dove non esiste la poesia.”

Forse Jodorowsky aveva ragione, dobbiamo sopportare un mondo dove non esiste la poesia, accettare esso e le sue mancanze, così come la mancanza della poesia cilena nelle librerie. La poesia non esiste, è fittizia. Ma se la realtà imposta è priva di poesia, non per questo è necessario vivere in essa. Non è necessario abbandonare il nostro mondo, quello che ci è più congeniale, che abbiamo creato, al quale sentiamo di appartenere. E’ un mondo che anche se non esiste davvero, come la poesia, straborda all’esterno. Anche se si trattasse solo di un sogno, di un limbo tra la realtà e l’immaginario, questo mondo alla fine va a contaminare in maniera tangibile il reale.

Siamo poetas en acciòn. Basta sceglierlo.
La realtà è quella che creiamo, quella che vogliamo.


Vi lascio con alcune frasi ed immagini tratte dai due film:

La danza della realtà

Un guerriero si disfa delle sue illusioni.

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« Per te, io non esisto ancora. Per me, tu non esisti più. Alla fine del tempo, quando la materia prende il cammino del ritorno al punto di origine, tu e io saremo stati solo ricordi, mai realtà. Qualcosa ci sta sognando. Abbraccia l’illusione! Vivi! »

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Poesia sin fin – Endless Poetry

Tutto sembrava magico, senza esserlo.

“Tu sei vergine. Tu sei puro, come un pierrot romantico.” (Stella ad Alejandro)

Non ho bisogno di deglutirti: tu sei la mia anima.

Sono diventato uno specchio che riflette solo la tua immagine, non voglio vivere nel caos che crei. (Alejandro a Stella)

Perchè sei invisibile, io ti disprezzo, diamante perfetto.


 

The death I am running, runs without running at my side.


 

Dialogo tra Alejandro ed Enrique:

 

Alejandro: Tutto questo bellissimo lavoro verrà perso.
Enrique: Tutto verrà perso! Le nostre anime verranno perse. Non importa. Anche i sogni si perdono, e noi stessi, poco a poco, ci dissolviamo. La poesia, come un’ombra di un’aquila in volo, non lascia traccia sulla terra. Un poema raggiunge la perfezione solo quando è consumato.
Alejandro: Non posso vedere un bel lavoro consumato

– Ho paura di contrariare gli altri.
– Non sei colpevole di vivere come sei.
– Potresti essere colpevole di vivere come gli altri vogliono che tu viva.
– Qual è il significato della vita?
– La vita!
– Il cervello fa domande, il cuore dà risposte.
– La vita non ha nessun significato, devi solo viverla. Fottila!
————-
La vita è un gioco
Possiamo ridere anche delle cose peggiori
Soffrire è inutile
Non sono un pagliaccio
Sono un poeta.
Non dandomi niente, mi hai dato tutto.
Mi hai insegnato la necessità dell’amore
Negandomi dio, mi hai insegnato il valore della vita.
Io ti perdono, padre, tu mi hai dato la forza di sopportare questo mondo dove non esiste la poesia.

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stella alejandro
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Omicidio all’italiana, perché il Molise è veramente come Maccio Capatonda lo descrive e perché vale la pena di farci una passeggiata

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omicidio all'italiana

Secondo film per Maccio Capatonda, dopo Italiano Medio nel 2015 che fu accolto tiepidamente dal pubblico: i suoi non sono film che sbancano al botteghino, seguiti dal popolo di internet più abituato a youtube che a recarsi in sala, siamo perciò lontani dagli incassi di Checco Zalone, eppure queste due pellicole di Maccio risultano notevolissime, molto più di quanto ci si potrebbe aspettare ad un primo impatto da un paio di film comici. Il timore poi che Maccio ricicli sempre gli stessi personaggi e le stesse battute (cosa che effettivamente fa, ma con una grande abilità e finalmente unendo il tutto con un unico filo conduttore) ha fatto sì che i suoi film fossero lasciati in secondo piano anche dai suoi fan. Ed è questo un altro motivo per cui non tutti hanno passato le loro serate di primavera a parlare di Omicidio all’Italiana, scartato per dedicarsi ad altre uscite più vistose. Distribuito dal 2 Marzo 2017 al cinema, Omicidio all’Italiana è disponibile in dvd dal 22 Giugno. Anche se non è quello il suo intento primario, Maccio/Marcello Macchia, originario di Vasto, ci fornisce di nuovo una descrizione delle abitudini italiane e dei meccanismi nascosti all’interno della televisione. Non andando per niente lontano dalla realtà, passa da “Mastervip” a “Chi l’acciso“, programmi televisivi parodia della tv italiana che appaiono rispettivamente in Italiano Medio e Omicidio all’Italiana. Se Italiano Medio era stato un capolavoro di saggezza, poco gradito proprio agli italiani medi da Macchia descritti e che ricercano solitamente nei film una comicità che non li porti a riflettere (sì ai cinepanettoni, e no ai film che puntano il dito sui problemi, presentando come comiche situazioni che sono assolutamente vere), il secondo film di Maccio si concentra invece su situazioni molto più circoscritte, essendo ambientato ad Acitrullo, ipotetico paese del Molise di soli 16 abitanti.

Omicidio all’Italiana si presenta più adatto al grande pubblico rispetto al suo gemello (si tratta, ovviamente, di gemelli eterozigoti) Italiano Medio, comprendendo in sé temi meno gravosi ma non per questo meno reali: il Molise, luogo che “non esiste”, è al centro della storia e se vi è mai capitato di fare un giro per alcune zone centrali d’Italia vi renderete conto di come il paese di Acitrullo creato da Maccio sia verosimile, con le sue discese e le sue salite, le strade disagiate e impercorribili, qui Campobasso e i suoi apericena sono visti come sogni quasi irraggiungibili, che in confronto la vita sulla 7bis Nolana, che un po’ noi discriminiamo, sembra quella della California. Infatti da paesi come Acitrullo anche solo raggiungere Isernia e Campobasso può diventare un’impresa, e la descrizione di questo viaggio è proprio il modo in cui inizia il film, con protagonista un corriere che cerca di raggiungere il paese per consegnare un computer ed un modem 56k.

Anche se ufficialmente Acitrullo è collocato in Molise, in realtà il film è stato girato a Corvara, in provincia di Pescara, 269 abitanti. In effetti Abruzzo e Molise in alcuni aspetti sono molto affini e guarda caso qualche tempo fa un amico aveva per me girato dei numerosi video-documentari della sua vita in Abruzzo. Tra i paesi che mi mostrava con perplessità mentre andava in auto a Pescara per il sushi-apericena accompagnato da cover band di dubbia qualità di Rihanna e Pink Floyd, c’era proprio Corvara che avrei rivisto più avanti nel film di Maccio. Il mio amico faceva 100 km per un sabato sera “decente”, mentre qui ci lamentiamo con snobismo della scelta dei bar.

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La metropoli di Pescara, centro più vicino a Corvara, dove è stato girato il nuovo film di Maccio

In pratica le giornate degli abitanti di questi paesi molisani-abruzzesi oscillano tra un’esistenza lenta e il sogno di una civiltà lontana. Una civiltà che risulta comunque non essere mai alla loro portata e si ferma a città di media grandezza (50 000 abitanti per Campobasso, 120 000 per Pescara, 21 000 per Isernia) ma che perlomeno offrono dei bar e delle gelaterie. Non a caso, quando nel film l’ispettrice Pertinente dice di venire da Roma, Herbert Ballerina le risponde: “Ah, estero.”

Anche se isolati, non è necessario guardare con giudizio negativo Acitrullo & friends, che per certi aspetti sono profondamente affascinanti per la tranquillità nella quale sono immersi. Ma noi siamo di questi centri solo osservatori esterni. Per le persone che invece sono nate e cresciute in queste zone – e che ovviamente sono state costrette a trasferirsi altrove per motivi di lavoro e di studio e guarda caso non ci sono mai più tornate – il futuro di questi paesi è un serio argomento di discussione e mi è capitato di prendere parte a volte a delle conversazioni sul futuro di paesi come Bojano o Cerro al Volturno. C’è chi sostiene che questi centri verranno abbandonati, altri che verranno ripopolati e avranno futuro, perché sono belli. Sono belli in effetti, non mettiamo in dubbio ciò, ma ripopolare questi luoghi e trovare pure qualcosa da farci è una speranza di chi questi posti li ha amati, ci ha vissuto e poi li ha abbandonati, insomma, si tratta di discorsi mossi dai sensi di colpa, perché in fondo il mondo si muove in una direzione diversa e nonostante l’affezione alle proprie radici tutti sognano almeno un paio di gelaterie, Zara e le mutande di Tezenis.

In ogni caso, nel film di Maccio ci si sente maledettamente coinvolti. Non so come possano reagire gli abitanti di uno di questi paesi nei confronti di Omicidio all’italiana, se questo film potrebbe destare in loro irritazioni. Ma in un paese come Acitrullo non avrebbero comunque un cinema per vedere il film di Maccio e non riuscirebbero neanche a comprarsi il dvd in una Feltrinelli o una Mondadori, quindi il problema non si pone. Per chi invece in quei posti c’è solo capitato e mai abitato, scatta un immediato e assoluto feeling con tutta la storia. Sembra di essere proprio in uno di quei paesi in cui tutti abbiamo vagato, in quelle strade sterrate suggerite dal navigatore, di cui ci eravamo compiaciuti nonostante fossero sbarrate dalle mucche o dai lavori in corso. Un inverno in cui dovevamo raggiungere Campobasso le strade erano interrotte venendo praticamente da qualsiasi direzione, e alla fine, senza volerlo, nella notte, ci ritrovammo a Isernia. Sembrava di essere in una barzelletta sul Molise, e invece era realtà: ma ne valeva la pena, quel “vuoto” tra i paesi era seducente, tutta quell’erba anche e gli animali sulla strada ci guardavano con occhi rotondi e dolci, nei piccoli paesi si sentiva l’odore di case lavate e nei pochi negozi si trovavano cose che non c’erano da nessun’altra parte.

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Pecore sulla strada per Campitello Matese (CB)

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Insomma, quel che voglio dire e che continuo a ripetere, è che in Omicidio all’italiana è tutto vero. Sembra una caricatura della realtà, ma è la realtà stessa. La contessa filantropa, i paesi con le salite e le discese, gli spostamenti in trattore, IL BABBACCHIONE – dolce tipico di Acitrullo – e altre cose, sono tutte maledettamente vere. Come anche il sogno della vita dissoluta a Campobasso. Lo sapete che Campobasso è una città universitaria? Un luogo di movida estrema. Davvero. True story.

Se non avete niente da fare, prendete la macchina e partite per un paese situato in un posto a caso in mezzo a Pescara – Campobasso – Isernia: sarà come essere nel film, come viaggiare nel tempo e nello spazio. Troverete cose che non avreste neanche immaginato potessero esistere. E comunque, avrete sempre modo di fare foto agli animali, cosa che di solito vale da sé il costo del viaggio.

Ma vediamo uno ad uno gli elementi più rilevanti e il perché sono veri

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IL BABBACCHIONE. Ricorda la mitologica Luisona del Bar Sport di Stefano Benni. In ogni bar scadente che si rispetti, esistono dei dolci che non andrebbero mai mangiati, spesso messi solo per esposizione. La Luisona di Benni fu inavvertitamente mangiata da un ignaro passante che non conosceva da quanto tempo la Luisona stesse sopravvivendo nella teca dei dolci. Il Babbacchione però è di più di una Luisona qualsiasi: è il dolce tipico di Acitrullo, da accompagnare rigorosamente con l’Amaraccio, il liquore tipico di Acitrullo. Ammettiamolo: non è realtà solo la Luisona da esposizione, ma anche questi dolci tipici che sicuramente esistono e sovente fanno pure schifo.

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Un bar a Sepino

La contessa filantropa intorno alla quale ruota l’intero film, assassinata all’inizio della storia: true story, in questi paesi ci sono contesse che riparano gli orologi della città e cose del genere, con cui andare a cena in ristoranti e castelli e che alla fine vi lasciano anche qualcosa in eredità se gli avete potato per bene il giardino.

L’apericena a Campobasso. Mi è capitato di andare a Campobasso non molto tempo fa, per una – diciamo – riunione, non specificherò di che tipo per la privacy delle persone coinvolte, le quali erano estremamente colpite dal lungo viaggio che avevamo intrapreso per loro e ci avevano definito I FORESTIERI (continuando a ripetere, colpitissimi, “I SIGNORI VENGONO DA NAPOLI!!!” come se da chissà quale posto lontano venissimo). In questa occasione Campobasso si è rivelata molto fashion, con centri commerciali ed un elegantissimo bar, ed era ovunque piena di studenti abbigliati come spagnoli ventenni in Erasmus. Da visitare: il castello Monforte e il Museo Sannitico.

DSC00358La metropoli di Campobasso vista dall’alto, luogo in cui emigrano la maggior parte dei molisani in cerca di lavoro

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Il castello Monforte di Campobasso, il cui custode, Nicola Tudino, è autore di uno splendido libro in cui descrive la sua malattia mentale: Cuore di terra – Nicola Tudino, edito da Aletti, e che vi consiglio. 

Corvara

Acitrullo-Corvara, paese in cui è stato girato il film di Maccio

– Le salite e le discese. Provate a fare un giro a Colli al Volturno, o a Bojano, o dove vi pare.

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Cerro al Volturno (IS)

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Rocchetta a Volturno (IS) – Rocchetta Alta – resti del castello e del centro abitato

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Colli al Volturno (1343 abitanti) è considerato un centro dello shopping per i paesi vicini

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Castel San Vincenzo, 516 abitanti. Il paese gode di una bellissima vista sull’omonimo lago artificiale

– Il turbamento. Per darvi un’idea di quanto sia effettivamente sperduto il Molise, vi dico che quando dovevo imbarcarmi a Termoli (CB) per le Tremiti, in circa 70 km vi era un’unica area di servizio, la Biferno, e all’ingresso del bagno, all’alba, ci ho trovato un cucciolo di pipistrello morto. L’unico altro posto sulla strada in cui ci si sarebbe potuto fermare, tendenzialmente per camionisti, era chiuso. Anche trovare i croissant nei bar non è qualcosa di scontato, e nella maggior parte dei paesi si può avere solo qualche prodotto semilavorato (che importa fare cornetti, quando c’è il BABBACCHIONE)

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La tecnologia. Il film di Maccio si apre con l’introduzione ad Acitrullo di un computer e di un modem con connessione 56k, portati dal corriere con grande difficoltà. In questi paesi in effetti a volte appaiono evidenti segni di tentativi di modernismo: il cartellone luminoso “Benvenuti a Sepino” incontrato quando andai a visitare gli scavi di Saepinum sembrava davvero di una tecnologia immane se paragonato all’offerta del resto del paese (anche se era davvero un bel paese, piacevole e perfettamente ristrutturato).

Non ha avuto la stessa sorte di “perfezione” la Civita Superiore di Bojano, completamente abbandonata a se stessa, sebbene sede di rinomati ristoranti come il Borgo Antico di Filindo, a detta del proprietario frequentato anche da Paul McCartney.

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Insomma, per non allontanarci del tutto e proseguire all’infinito con una guida rossa del Molise e ritornare al film di Maccio, posso dirvi che comunque un premio l’ha anche incassato: Nastro d’Argento a Sabrina Ferilli, che interpreta la conduttrice Donatella Spruzzone. Ci tengo a ripetere che anche se questi film ad un primo impatto pare potrebbero essere evitati, inducendoci a pensare che non ci sia niente di nuovo e venga riproposta la solita comicità, Italiano Medio e Omicidio all’Italiana non deludono e sono davvero molto più intelligenti di quel che vorrebbero sembrare: il formato “lungometraggio” conferisce a Maccio un’epicità che nei suoi prodotti brevi andava a perdersi nel tempo, mentre negli anni questi due film rimarranno, fotografia di un’Italia post 2000 che in maniera così sapiente non era stata ancora descritta.

Letture consigliate: Cuore di terra – Nicola Tudino, edito da Aletti
Film consigliati: Italiano medio – Assassinio all’italiana – Maccio Capatonda
Ristoranti consigliati: Borgo Antico – Civita Superiore di Bojano (Filindo)

 

Perché ho scritto, Enrique Lihn

Capita che forse, in un anno di calma,
pensi: la poesia a questo mi è servita:
non ho potuto essere felice, quello mi fu negato,
però ho scritto.

Ho scritto: fui la vittima
della mendicità e dell’orgoglio mischiati
e giustiziai anche qualche lettore;
stesi la mano in porte che mai, mai ho visto;
una ragazza cadde, in un altro mondo, ai miei piedi.

Però ho scritto: avevo questa rara certezza,
l’illusione di tenere il mondo tra le mani
— che illusione perfetta! come un cristo barocco
con tutta la sua inutile crudeltà —
Ho scritto, la mia scrittura fu come erbaccia
di fiori azzimi, pur sempre fiori,
il pane quotidiano di terre incolte:
una corazza di spine e radici

Dalla vita ho preso tutte queste parole
come un bambino orpello, ciottoli vicino al fiume:
cose magiche, perfettamente inutili
però continuano a rinnovare il loro incanto.

La specie di follia per cui un vecchio
vola dietro le colombe imitandole
mi fu data per servire a qualcosa.
Mi condannai scrivendo così che tutti dubiteranno
della mia vita reale,
(giorni della mia scrittura, terreno straniero).
Tutti quelli che servirono e quelli che furono serviti
dico che passeranno perché ho scritto
e farlo significa lavorare con la morte
gomito a gomito, rubarle tanti segreti.
Alla sorgente il fiume è una vena d’acqua
– lì, per un momento, nemmeno, su questa altura –
poi, alla fine, un mare che nulla vede
di quanti stanno nuotando sbracciandosi nella vita.
Perché ho scritto sono stato l’odio imbarazzante,
ma il mare forma parte della mia stessa scrittura:
linea dell’onda dove un verso diventa schiuma
e posso reiterare la poesia.

Ero ammalato, senza posto per i dubbi
e non solo di insonnia,
anche di idee fisse che mi facevano leggere
con oscena attenzione tanti psicologi,
però ho scritto e il crimine fu minore,
l’ho scontato verso a verso fino a scriverlo,
perché tra la parola che si adatta e l’abisso
sorge un po’ di oscura intelligenza
e a questa luce molti mostri non sono giustiziati.

Perché ho scritto non rimasi nella casa della carnefice
né mi lasciai portare dall’amore di Dio
né accettai che gli uomini fossero dei
né mi feci desiderare come scrittore
né la povertà mi parve atroce
né il potere una cosa desiderabile
né mi lavai né mi sporcai le mani
né furono vergini le mie migliori amiche
né presi per amico un fariseo
né malgrado la collera
volli sbaragliare il mio nemico.

Però ho scritto e muoio per conto mio,
perché ho scritto, perché ho scritto io sono vivo.

(Perché ho scritto, Enrique Lihn)

Manga misteriosi che non leggerebbe mai nessuno

Titolo fittizio perché se sono editi, sicuramente qualcuno li leggerà. Più che altro ciò che sarebbe lecito chiedersi è: perché scegliere questi titoli anziché altri fra migliaia di shoujo in circolazione? Letto uno, letti tutti, si sa. La risposta a questo quesito non è fornita, in quanto i seguenti titoli li ho ricevuti in regalo. Li recensisco per non dimenticarmi di averli letti.

Orange Kiss

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Si tratta di un volume unico, edito da Flashbook e risalente al 2003. In quel periodo Flashbook pubblicava titoli ricercati e al Lucca Comics presi “Cuori Colpiti”, un manga che mi riporta alla mente una fiera piovosa di tredici anni fa. Cuori Colpiti è infatti pubblicizzato nelle ultime pagine di Orange Kiss. Si tratta di una casa editrice che ho sempre trovato degna di una certa stima. Questo volume ha sovraccopertina, una bellissima carta, e per essere quello che è, non è male. Ma… cos’è?
E’ il solito manga a più episodi, delicati e ingenui, che parlano di amore adolescenziale. Insomma è uno di quei volumi che ogni ragazza che legge manga da un po’ di anni, ne ha letti almeno altri 70 tutti uguali. Resta che questo volume unico è molto gradevole e varrebbe la pena di preferirlo ad altri, ma è difficile che accada vista la sua scarsa diffusione.

Gli episodi al suo interno:

Orange Kiss: dà il titolo al volume. Storia: Aki sogna di baciare il suo compagno di classe Shimizu al tramonto. Al risveglio risulta turbata, perché i due si sono sempre volontariamente ignorati, senza conoscere il motivo di quest’antipatia reciproca. Sono i capelli arancio di Shimizu a dare il titolo alla storia; nel giro di poche pagine i due si metteranno insieme, rendendo realtà il sogno di Aki.

Parole di felicità: secondo episodio. Saiko è una modella ed è più alta della maggior parte delle sue coetanee, attirando molte invidie. Un giorno, per sviare le avances di un compagno di scuola che non le piaceva, dice di essere attratta da Hajime, un ragazzo che conosce solo di vista e che suona il violoncello nell’orchestra della scuola. Dopo essersi presentati, fra i due nasce una bella amicizia. Hajime insegna a Saiko un rito che lui svolge con i suoi compagni dell’orchestra prima di ogni esibizione, in modo da scaricare la tensione: consiste nell’elencare ciò che li rende felici. Prima di un provino importante che la renderà una modella ufficiale per una rivista, Saiko farà lo stesso: la parola che dirà è proprio “Hajime”, riconoscendo che è Hajime che la rende felice. Hajime è la sua parola di felicità.
Mi sono annoiata a morte a raccontarlo, ditemi se a voi è venuta voglia di leggerlo. Io penso proprio di no, roba da sputarci su.

L’ultimo treno: una corsa nel cielo notturno. Un ragazzo e una ragazza si conoscono alla fermata del treno. I due frequentano scuole differenti, il liceo di lui <nomeacaso> è più prestigioso e frequentato da ragazzi che andranno all’università, mentre quello di Sae non è così buono. Sae si sente sciocca e stupida in confronto al tipo che ha rimorchiato alla fermata del treno. Quando lei gli chiede, dopo poco tempo, se vogliono mettersi insieme, lui accetta, ma le insicurezze di Sae restano, alimentate anche dalle amiche di Sae che le mettono in testa che presto si lasceranno. In effetti lui parla poco ed è sfuggente, così un giorno Sae si presenta all’uscita del doposcuola per stare con lui. Come spesso capita, lui cerca di evitarla. La ragazza, ostinata, lo segue sul treno, pur non sapendo quale sia la destinazione del ragazzo. In questo viaggio i due, che erano già fidanzati, finalmente si conosceranno meglio, e Sae scoprirà che lui era turbato a causa di alcuni problemi familiari e dell’esistenza di una sorella che neanche sapeva di avere.

Verso Orange Kiss, poco prima di Orange Kiss: ultimo episodio. Alcune pagine che mostrano la storia di Orange Kiss (il primo episodio del volume) attraverso gli occhi del protagonista maschile. Onestamente queste pagine non sanno di niente, sono troppo poche e messe alla fine del volume perdono di senso.

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Dillo alla luna

Anche questo si tratta di un volume unico edito da Flashbook Edizioni nel 2003. Stesso discorso fatto per Orange Kiss: ogni ragazza che legge manga è abituata a questo genere di storie.

Dillo alla luna è comunque un bel volume con una storia piacevole da leggere e non fatta male, come tanti altri manga che si trovano sui banconi delle fumetterie, ma tra gli ultimi volumi ho preferito Orange Kiss.

I disegni dell’autrice di Dillo alla luna sono un po’ acerbi e la storia segue il destino di tre amici d’infanzia ai quali si è aggiunta una nuova ragazza. E’ difficile appassionarsi a questa storia proprio a causa di questa protagonista femminile che è la classica ragazza che “attende” un amore non ricambiato, stereotipo che non amo. Neanche gli altri personaggi sono un granché: una che fa l’amante di un uomo già impegnato e più grande; un potenziale playboy e un cretino che non capisce niente.
Bel finale buonista con tutti che si sposano.

Consigliato a chi ama le storie tristi.

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Ragione e sentimento

Si tratta di Ragione e sentimento di Jane Austen versione manga. Quando l’ho visto, in dono insieme a Dillo alla luna e Orange Kiss, sono rimasta un po’ così, anche perché i disegni lasciano piuttosto a desiderare.
Dopo diversi mesi l’ho però rivisto in fumetteria, e dimenticando di possederlo, ne sono rimasta attratta.

Mi piace molto Jane Austen e ho letto molti suoi libri, è quello il problema.

Il manga è di categoria josei, un tipo di manga romantici per donne adulte. Per riuscire a condensare Ragione e sentimento in un solo volume gli eventi accadono molto in fretta e non è esattamente il massimo, ma i fan di Jane Austen una cosa del genere se la procurano lo stesso. Esiste anche un altro Ragione e sentimento versione manga, ma non ricalca il libro. It’s the only one.

Godetevelo, se ne avete il coraggio.

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REX

Volume unico delle CLAMP comprato per 1 euro a un mercatino dei libri nel chiostro di un convento. Sono sempre stata attratta dalle CLAMP le quali purtroppo mi hanno praticamente quasi sempre deluso (fatta eccezione per Chobits). A legarmi alle CLAMP è ovviamente il ricordo degli anni ’90 e di serie che seguivo alle elementari, come Rayearth, ma esse, nonostante i disegni vistosi (dico vistosi, non necessariamente di livello) purtroppo producono quasi sempre storie senza spessore, pur partendo da trame estremamente elaborate. Tutto sommato credo che continuerò a comprare volumi delle CLAMP e Rex probabilmente è uno dei migliori loro che abbia letto perché almeno è un po’ più originale e mette allegria, con questa storia incentrata su di un piccolo dinosauro.

Va bene se avete tipo 6 anni.

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Sarà perché mi piaci

Dall’autrice di Piccoli Problemi di Cuore (Wataru Yoshizumi), miniserie in due volumi.

Dopo i precedenti manga elencati, mi è sembrata un capolavoro.
Pubblicata da Planet Manga nel 2005, adesso non è più facilmente reperibile in fumetteria, ma ho acquistato entrambi i volumi per 4€ su Ebay, dopo aver trovato solo il volume 1 nel convento di cui vi dicevo sopra.

La storia è interessantissima. La protagonista è innamorata di un ragazzo che è capace di legarsi solo a ragazze già fidanzate, e lei non lo è, anche se in un momento trae in inganno tutti mostrandosi in compagnia del fratello, che viene scambiato per il suo fidanzato.

Sarà perché mi piaci riesce a coinvolgere (cosa che non fanno altri shoujo) ed è molto dolce, inoltre, i due si conoscono in biblioteca scambiandosi un libro sui Preraffaelliti, quindi i due teoricamente sono anche raffinati, forse, e offrono al lettore la possibilità di acculturarsi..

Ok, non aspettatevi troppo.

Inizio a capire meglio, però, perché Wataru Yoshizumi sia considerata una principessa degli shoujo manga: in confronto alle sue concorrenti, almeno è in grado di coinvolgere.

Credo mi procurerò altri suoi manga prossimamente. Non l’ho mai amata molto, anzi, la disprezzavo leggermente, ma oltre a questo possiedo Piccoli problemi di cuore (di cui non mi disferei mai per motivi affettivi) e la one shot Cappuccino.

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The Valkyrie’s Vigil (1906) di Edward Robert Hughes

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Guida sentimentale della Campania: Napoli nelle pagine di Milo Manara – I Borgia

In evidenza

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Non tutti sapranno che in alcune pagine dei Borgia di Milo Manara la storia si svolge a Napoli.

La discesa in Italia di Carlo VIII di Francia, forte oppositore dei Borgia (data di inizio: 3 settembre 1494) continuò infatti fino a Napoli, dove, tanto per cambiare, i soldati entrarono senza incontrare praticamente alcuna opposizione. Era il 22 febbraio 1495, l’allora re di Napoli, Ferdinando II di Napoli detto Ferrandino, abbandonò immediatamente la situazione bollente rifugiandosi a Ischia e poi a Messina.
Paradossalmente la vittoria a Napoli segnò la disfatta di Carlo VIII, perché la presa di Napoli suscitò nelle altre nazioni la necessità di ostacolare l’espansione francese.Già a maggio il re Ferrandino, aiutato da suo cugino Ferdinando II d’Aragona re di Spagna e di Sicilia, ebbe modo di riorganizzarsi e di riconquistare Napoli, risalendo da Messina a Reggio e da Reggio a Napoli. Entrato a febbraio, Carlo VIII, dopo neanche tre mesi, fu costretto a lasciare la città riconsegnandola al sovrano filo-spagnolo.

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Insomma, anche se per poche pagine, in questo volume ritroviamo Milo Manara a disegnare la città di Napoli.

Realizzato in quattro parti tra il 2004 e il 2011 e successivamente edito in volume unico, I Borgia è incentrato sugli efferati intrecci che ruotano intorno alla figura di papa Alessandro VI (Rodrigo Borgia), osservati attraverso la fitta sceneggiatura del regista/scrittore/psicomago cileno Alejandro Jodorowsky, per il quale Milo Manara ha prestato la mano.

Il volume dei loro Borgia si conclude proprio così, dopo anni di attesa, con la discesa di Carlo VIII a Napoli che “chiude” la storia. Così la presa di Napoli non segna solo la disfatta del re francese, ma anche l’epilogo del volume in questione; i nuovi equilibri che si andranno a formare in seguito a questa sconfitta non fanno più parte dell’opera Manara/Jodorowsky, attualmente impegnati in altri lavori: Manara in una serie su Caravaggio (è uscito il primo volume Caravaggio – La tavolozza e la spada nel 2015) e Jodorowsky con le sue robe jodorowskiane, poco adatte alle masse.

Le pagine di “commiato”, in netto contrasto con quelle vivissime e veloci nella parte centrale del volume smorzano bene un finale che avrebbe potuto sembrarci per certi versi ripido. Ogni personaggio riceve la sua definitiva collocazione nel giro di qualche pagina, dopo uno sperpetuo di sangue e avvelenamenti durato un intero volume.
Per quanto precipitoso, un finale del genere è decisamente giustificato dal crescendo di eventi che portano ad un punto di non ritorno e lascia anche una sorta di malinconia polverosa: la storia (del volume) è finita, anche se la storia (quella vera) continua, con altri 500 anni di guerre e di intrighi assurdi prima di arrivare ad oggi.

Come ben sappiamo la storia non si ferma mai. Ad ogni guerra ne succede sempre un’altra, ad ogni regnante un successore, ed in particolare questo periodo storico mostra una notevole complessità degli intrecci familiari tra i vari sovrani delle potenze del tempo, senza i quali non si sarebbe mosso quasi niente.

È un fumetto che non consiglierei a tutti. È terribile. Penultimo uscito di Manara, era uno dei pochi che non avevo ancora letto, pur possedendo l’intera produzione.
Un’altra sua opera, molto recente, che mi ero procurata appena uscì, è X-Men – Ragazze in fuga (2009). Ma i Borgia ha raggiunto la sua conclusione solo dopo il 2009, e pur vedendolo da anni ed anni in libreria, mi ritrovo a leggerlo solo ora.

La sceneggiatura è di Jodorowsky ed è quindi terribile in un modo diverso: l’erotico si confonde nell’horror storico, degno appunto solo dei film di Jodorowsky.
Jodorowsky è un regista cileno che ho sempre molto apprezzato. Il suo film più famoso è sicuramente La montagna sacra (1973), un cult che vidi in una torrida estate del 2008, ma il primo suo film al quale mi avvicinai fu El Topo, un altro dei più famosi.
Il primo impatto con El Topo non fu semplice. El Topo ai tempi mi sembrava un film così disturbato che inizialmente non compresi perché avrei dovuto sottopormi alla tortura di una tale visione.

Ma alla fine i suoi film li ho visti tutti ed è diventato uno dei miei registi preferiti di sempre.

Anche se ricordo El Topo come il titolo più estremo, iniziare da The Holy Mountain non sarebbe stato meglio. E infatti, in The Holy Mountain/La montagna sacra, ci sono testicoli in barattolo come i peni raccolti dai Borgia. Ma se le immagini di un film si susseguono in modo rapido, nelle tavole di Manara esse sono fisse e immobili nella loro atrocità. Visiva e morale. Innocenti guardiani di cani squartati in quattro parti. Cadaveri di gatti usati per bagnare di sangue gli umani. Necrofilia. Incesti, incesti in continuazione. Anche le donne, non sono immuni alla crudeltà: oche ammazzate per gioco in convento. Ma la violenza è specialmente sugli umani. Dopo un primo impatto, il lettore, stordito, pensa: vabbè è Jodorowsky, che mi aspettavo? e prende l’opera per quello che è, senza lasciarsi scalfire, e l’opera è una visione della storia, vista da due talenti, Manara e Jodorowsky, vorticosa, cruda, coinvolgente, ricca di pathos, nuova. Una visione che riporta i fatti, una moltitudine, e di personaggi, ancora di più, senza mai renderli comparse, vuoti o immotivati. Nessuna crudeltà è fine se stessa. È come un frenetico gioco, ed in effetti così è la storia. E’ un frenetico gioco, proprio come la storia dell’umanità.

Attenzione, però. I Borgia di Manara/Jodorowsky non sono fedeli alla storia, anche se di certo i due non ci vanno tanto lontano: i due maestri ci hanno un po’ fantasticato su, con abbastanza coerenza, dopotutto. Se proprio volete, con le dovute correzioni, I Borgia non va così male per ripetere per le interrogazioni del liceo.

Il sesso non è molto, addirittura accessorio, non erotico, ancora meno di altre angosciose opere di Manara, ma spesso blasfemo. A partire dal primo incontro con Vannozza, futura amante di Rodrigo Borgia (papa Alessandro VI) e madre dei suoi figli, scoperta ad adorare sessualmente la statua di un santo. I due, Rodrigo e Vannozza, consumeranno l’atto sull’altare, così come Rodrigo farà, anni dopo, con la sua stessa figlia, ad un ballo in maschera senza averla riconosciuta.
Insomma sicuramente molte libere interpretazioni, ma non inverosimili per quegli anni bui: inutile scandalizzarsi.
Libera interpretazione tra l’altro proprio per la discesa di Carlo VIII a Napoli che Jodorowsky fa morire in cima al Vesuvio, sul quale era salito dopo aver richiesto la più bella puttana del regno. Distratto da questa, Carlo VIII non si accorge di un’improvvisa eruzione del Vesuvio, e così scompaiono entrambi nella lava.
Episodio storicamente scorretto: come abbiamo già detto all’inizio, Carlo VIII, fu scacciato dopo alcuni mesi dal precedente re di Napoli, e non morì a Napoli, anche se ebbe qualche discreto problema a tornare a casa (l’esercito italiano provò a sbarrargli la strada il 6 luglio 1495 a Fornovo, in provincia di Parma) ed ebbe anche vita breve: morì solo 3 anni dopo, nel 1498, a 27 anni a causa di un incidente a cavallo.
Nei Borgia ci sono bellissime vedute anche di altre città: Roma su tutte. Ogni dettaglio è curatissimo, non solo i luoghi. A chi Napoli non bastasse (in effetti, tutto questo parlare per tre pagine di fumetto) consiglio una passeggiata nei Musei Vaticani a Roma, che comprendono, tra le innumerevoli cose, anche gli appartamenti dei Borgia, decorati dal Pinturicchio.
Sottolineo ancora che il rapido epilogo della storia (in poco tutti sono morti, tutto è risolto, tutto è spiegato) non è forzato, mostrando un’ultima difficoltà superata che consacra I Borgia al capolavoro. Atroce, ma perfetto e capolavoro.

Libri consigliati:
La danza della realtà – Autobiografia di Alejandro Jodorowsky

Film consigliati di Alejandro Jodorowksy: Fando y Lis, El Topo, La montagna sacra, Santa Sangre

Altri fumetti con la sceneggiatura di Jodorowsky: L’Incal, illustrato da un altro fuoriclasse del fumetto europeo, Moebius.

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Gli appartamenti dei Borgia a Roma, decorati dal Pinturicchio (Musei Vaticani)

Liebster Award – Discover new blogs!

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Dopo l’Hipsteria del 1° Maggio a Matera (con tanto di concerto), e un po’ di articoli sul Partenio (alcuni sono pubblicati, al momento, come promemoria, su Guida sentimentale della Campania, oltre che sul mio quotidiano di riferimento), scopro di essere stata nominata da Valcuvia Express a questo simpatico giochino.

ll Liebster award è un riconoscimento che si dà ai blog con meno di 200 follower al fine di aumentare gli scambi e i commenti e anche per fornire una scusa per parlare un po’ a ruota libera. Prima di ricadere nella non-pubblicazione di ciò che scrivo, una cosa che su Detersivi alla Spina mi sta capitando spesso, partecipo subito.
Non preoccuparti, wwayne, sono ancora qua! :-)

Il gioco consiste nel rispondere alle 11 domande formulate dal blog che ti ha invitato, nominare altri 11 blog con meno di 200 followers e formulare delle nuove 11 domande per gli invitati. Questo ovviamente ricordandosi di spiegare le regole del gioco e pubblicare il logo del Liebster Award. E ricordarsi di informare i blog invitati con un messaggio. Ringrazio ancora Valcuvia Express per avermi coinvolto. Mi colpì ai tempi sul suo blog questo video, inquietante, ispirato al Maestro e Margherita di Bulgakov. Ecco le mie risposte :-)

1) La tua città preferita e quella che non sopporti

Tra le cose da fare c’è da tempo quella di stilare una lista ordinata delle città più brutte in cui sono stata. St.Julian’s nell’isola di Malta potrebbe vincere a spada tratta, ma per farmi nemici gratuiti posso dire che in Italia per ora anche Cosenza e Terni sono ai vertici, o perlomeno sono due posti che mi vengono in mente. Odiai Berlino quando la vidi per la prima volta ma ora la ricordo con nostalgia: la sua bruttezza, la ricostruzione, e i monumenti anneriti tra i grattacieli orrendi avevano un fascino decadente che mi riporta alla mente il 2006, le canzoni dei Phoenix, The Veils, Spinto Band, e altre cose indie che andavano in quei tempi. Amo i centri della Toscana, la mia Napoli e le città del nord. Eleggo a città preferita Heidelberg, per i ricordi in cima a quel castello, per com’ero in quei tempi e per la dolcezza del vento in quel giardino che s’affacciava dall’alto sulla città.

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2) Libro cartaceo o ebook?
Libro cartaceo tutta la vita. Scavo nei mercatini e negli scatoloni della gente morta o che la gente butta per collezionarli. Poi li disinfetto, non vi preoccupate.

3) Quando hai aperto il blog e perché.
Il blog l’ho aperto al liceo quando erano spuntati fuori gli MSN Spaces e tutti iniziavano a fare un blog. Trovai fin da subito stupido l’idea di un blog solamente personale (raccontare di sé mette a nudo, non trovate?)  e diventò immediatamente un sito di recensioni di film e fumetti. Quando gli MSN Spaces sono stati chiusi è diventato un blog WordPress, e su suggerimento di un amico ha preso questo nome strano. Eravamo entrambi amanti delle birre alla spina… Ma è diventato Detersivi per una storia di una lavanderia automatica nel nord della Francia che prima o poi dovrei raccontarvi.

lavanderia automatica

La lavanderia automatica di Fougéres

4) Che cosa ne pensi dei social network?
Li odio, perché sembrerà strano, ma io non voglio comunicare. Allo stesso tempo mi piace organizzare in album le mie foto, o condividere ciò che scrivo. E’ un po’ un paradosso. Mi piace avere una finestra sul mondo, ma non dovrebbe essere social, perlomeno non nel modo dei social network.

5) Che cosa volevi diventare da piccolo? Volevo diventare una scrittrice, of course. E invece sono un’ingegnere chimico (…come dice la canzone dei Bluvertigo).

6) Racconta una tua piccola mania
Colleziono peluche. Di recente li ho organizzati in un archivio. Finora ne ho contati 695. Ma ce ne sono ancora.

7) Hai animali?
Ho un gatto di nome Arancino. Amo i gatti rossi.

8) Qual è il tuo soprannome? Koomori, che in giapponese significa pipistrello. Ma anche Lady Justice, dall’album dei Metallica “And Justice for All.”
Sì, sono stata e sono ancora a tratti una schifosa metallara.

9) Il rosso o il nero. Non posso rinunciare a nessuno dei due.

10) Chi è il tuo eroe/la tua eroina di sempre? Ho sempre adorato Napoleone. E tra gli attori, Jim Carrey, fin da quando ero piccola. Ho visto praticamente tutti i suoi film.

11) Che cosa ti piacerebbe dire al web ora? Che anche se non mi leggerà nessuno (in fondo cosa per me preferibile), non smetterò mai di scrivere. Mai. Mai. Mai.

E che la condivisione di informazioni intelligenti, o delle proprie passioni, lascia sempre una sensazione piacevole in chi vi capita per caso: a me capita così. I siti costruiti per fare visite, i giornali spazzatura, lasciano il tempo che trovano.

NOMINATION

https://theemeraldforest.wordpress.com/
https://ciakmovie.com/
https://occhiliquidi.wordpress.com/
https://lachiamavanoserenab.wordpress.com/
https://cinefatti.com/
https://ilblogvuotodinidellaneum.wordpress.com/
https://avreivolutosposareunlunapop.wordpress.com/
http://nuovocinemalebowski.it/
https://rossallergia.wordpress.com/
https://dccomicsmultiverse.wordpress.com/
http://sweetstefy.com/

Essendo il mio blog principalmente sul cinema…

Le domande alle quali rispondere sono:

1) Il film che ti ha cambiato la vita, non necessariamente il più bello
2) Multisala o cinema città?
3) Manga o fumetti occidentali: quali scegli e perché?
4) Cosa rappresenta per te scrivere?
5) Il tuo genere musicale preferito
6) Ti piace andare a concerti?
7) Scatti fotografie?
8) Scrivere e leggere ruba tempo alla vita vera?
9) Ti piace stare in mezzo alle persone?
10) Da quanti anni esiste il tuo blog?
11) Pensi di essere cambiato negli ultimi anni e cosa è cambiato nel tuo blog negli anni eventualmente trascorsi?

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La la land, largo ai sognatori

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“Dedicato ai folli e ai sognatori”

Mia insegue il sogno di diventare un’attrice, Sebastian quello di diventare un pianista jazz.
Il jazz ritorna nel secondo film di Damien Chazelle e avvalora la colonna sonora di La La Land. Damien Chazelle è un giovane regista che con il suo primo film del 2014, Whiplash, aveva riscosso moltissimo successo. Con Whiplash, Chazelle, poco più di trent’anni, parlava della storia di un batterista jazz portando a casa tre Oscar. Sorte simile e ancor migliore per La La Land: presentato in anteprima a settembre al Festival di Venezia, dove Emma Stone ha vinto la Coppa Volpi per la miglior interpretazione femminile, La la land è il film che attualmente più fa parlare di sé. Senza eccessi, si potrebbe tranquillamente ammettere che sia il miglior film del 2016 ed anche del 2017 (è nelle sale italiane solo dal 26 gennaio 2017). Finito subito al primo posto in classifica al box office, ha ricevuto 7 Golden Globe ed è candidato a 14 Premi Oscar, record che negli ultimi sessant’anni aveva avuto solo Titanic.

Ma qual è la cosa migliore di La La Land? Fotografia, attori, colonna sonora? Profondità e intensità dei personaggi? E’ molto difficile scegliere, La La Land è perfetto su tutti i fronti. E ciò non dipende così tanto dalle proprie preferenze: si potrebbe odiare il genere al quale La La Land appartiene (musical, romantico, etc.) ma non riuscire ugualmente a stroncarlo. Sicuramente la colonna sonora di La La Land è impacchettata così perfettamente da non poter ricevere critiche, ricorrono City Of Stars ed il pezzo che Sebastian suona all’inizio e alla fine del film, anche se il film trova probabilmente il suo massimo nella scena dell’audizione con The Fools Who Dream, cantata dalla stessa Emma Stone. 

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Here’s to the ones who dream
Foolish as they may seem
Here’s to the hearts that ache
Here’s to the mess we make
(The Fools Who Dream)
La La Land potrebbe essere un musical, ma non lo è davvero. E’ un film ibrido in cui le canzoni ed i balli non vanno a formare il musical ma qualcosa di nuovo, in un intreccio che tende al capolavoro. La storia non è nuova, le ambientazioni nemmeno, ricordano alcuni film di Woody Allen ed anche la trama è simile a quella dell’ultimo Cafè Society. Ma questa raffinatezza americana, intelligente, Damien Chazelle sembra l’unico attualmente a saperla maneggiare senza incorrere in nessun errore. Il panorama di Los Angeles, le inquadrature, gli abiti anni ’50, le realtà immaginate, rendono La La Land un gioiello e non il solito il film romantico/d’autore/raffinato dimenticabile in quattro settimane, i due protagonisti, Emma Stone e Ryan Gosling, sono incastonati nel film in maniera perfetta. Ryan Gosling è un attore che apprezzo in particolar modo e che compare nei film spesso in un ruolo di cane ferito che si ripete, ma ancor più straordinaria in La La Land è l’interpretazione di Emma Stone, racchiudendo in sé l’attrice nell’attrice. Un accorgimento che era anche in un altro film recente, Birdman del messicano Inarritu, in cui Michael Keaton interpretava un attore decaduto dedito alla realizzazione di un film nel film, ed Emma Stone faceva da ciliegina sulla torta nella scena finale, tant’è che ebbe diversi premi e una nomination all’Oscar per l’interpretazione.

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“E’ orribile.” dicono Mia e Sebastian di fronte al panorama.

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Mia:”Non è strano che continuiamo a incontrarci?”
Sebastian: “Forse vuol dire qualcosa.”
Mia: “Non penso.”
Sebastian: “Sì, in effetti.”

La realtà della storia: in contrapposizione agli scenari meravigliosi, la storia tra Mia e Sebastian non è fuori dall’ordinario come sembra, né il grande amore per il quale vuole essere venduta. Fin dall’inizio, i due sembrano non piacersi, è solo il caso che continua a farli incontrare. Mia sembra attratta dall’aspetto di Sebastian e si comporta come se l’avesse puntato, ma i due non hanno molto in comune (Te lo dirò subito: io odio il jazz”, dice Mia al primo appuntamento). Ciò che li accomuna è il fatto di avere entrambi dei sogni da realizzare ed inciampano nella vita l’uno dell’altra in un momento di stasi per entrambi. Quattro stagioni scandiscono come atti il film, in una storia che dura solo un anno, seguendo appunto, volendo essere banali, le cosiddette stagioni dell’amore: quante storie durano solo un anno, seguendo le sensazioni offerte dalle belle giornate? Nella sua descrizione spietata e al contempo romantica, la storia di Mia e Sebastian acquista valore, trasformandosi da un’ordinaria relazione di un anno a qualcosa che è di un impatto visivo straordinario. La banalità della storia tra Mia e Sebastian è messa da parte dalla fotografia, ma viene puntata l’attenzione sulla realtà dei personaggi nei dialoghi, in alcuni contenuti evidenti. In estate già compaiono le prime increspature nella coppia, le primi liti. Quando le situazioni “cambiano” (Sebastian ha un buon contratto di lavoro ed è poco presente ormai, in tour con una pop band), nascono i primi veri conflitti. “Ti amerò per sempre”, dicono quando in estate si stanno già lasciando. Mia è stata richiamata dopo un provino, e molto probabilmente andrà in Francia per un film, il primo importante della sua carriera. Alle immagini poetiche si contrappone la concretezza della storia, nessuno dei due rinuncia a niente per l’altro, seguendo un modello molto americano, in cui al primo posto viene la realizzazione personale e non l’amore. Mia non segue Sebastian in tournée, lui non può andare alla prima del monologo di Mia a causa degli impegni di lavoro. D’altronde già i presagi iniziali lasciavano intendere che le cose non sarebbero perfette come il luogo spettacolare che faceva da cornice alla storia. Ma nell’immaginario di Mia e Sebastian, e del regista, la loro relazione acquista un valore inestimabile, al punto da essere ricordata a lungo, probabilmente perché legata ad un punto di svolta delle loro vite.

In sintesi, La La Land è davvero bellissimo, in ogni suo aspetto. Un film ricco, ma senza mai appesantire.

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Altri film con Emma Stone: Crazy Stupid Love e Gangster Squad, con Ryan Gosling, le commedie americane La rivolta delle ex ed Easy Girl, i comic movie The Amazing Spider Man 1 e 2. Emma Stone trova la sua migliore collocazione in film come Birdman e La La Land. Era anche in The Help, e Irrational Man e Magic in the Moonlight di Woody Allen.

Ryan Gosling and Emma Stone having fun in "La La Land"

Ryan Gosling: abbandonato in Blue Valentine, in Come un tuono, in La la land. Triste e solo in Lars e una ragazza tutta sua. Un duro dal cuore tenero, un bravo ragazzo che non piange, dotato di dignità e rassegnazione. Altri suoi film, ancora: Le pagine della nostra vita, Love & Secrets, Drive, Le idi di marzo, Solo Dio perdona, La Grande Scommessa.

 

L’unica canzone passabile di Sanremo 2017

Se siamo ancora qui vuol dire che un motivo c’è
Lascia qualcosa tra le braccia, non questa distanza che mi sputi in faccia
Se siamo ancora qui ad imparare come illuderci, a preoccuparci della verità
Vedrai che poi il tempo non ci tradirà
Sotto un vento di libeccio che dall’Africa soffia lieve su di noi la sua sabbia
Lo so che riusciremo a dare ancora un nome a tutte le paure che ci fan tremare
E troveremo il nome per dimenticare la noia, l’abitudine, la delusione
Vedrai che i desideri si riaccenderanno e costruiremo il luogo in cui poi vivranno
Perché noi siamo l’unica benedizione, l’unica tragedia, l’unica ambizione

Se siamo ancora qui ad ignorare le difficoltà, impareremo anche a comprendere
Che esiste un buon motivo per insistere
Sotto un vento di libeccio che dall’Africa soffia lieve su di noi la sua sabbia
Vedrai che riusciremo a dare ancora un nome a tutte le paure che ci fan tremare
E troveremo il nome per dimenticare la noia, l’abitudine, la delusione
Vedrai che i desideri si riaccenderanno e costruiremo il luogo in cui poi vivranno
Perché noi siamo l’unica benedizione, l’unica tragedia, l’unica ambizione

Dovremo solo ricominciare a respirare, a navigare
Dovrai soltanto dimenticare la noia, il vuoto, la perfezione

Vedrai che riusciremo a dare ancora un nome a tutte le paure che ci fan tremare
E troveremo il nome per dimenticare la noia, l’abitudine, la delusione
Vedrai che i desideri si riaccenderanno e costruiremo il luogo in cui poi vivranno
Perché noi siamo l’unica benedizione, l’unica tragedia, l’unica ambizione

(Samuel – Vedrai)

Your Name, il nuovo film di Makoto Shinkai nelle sale italiane

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Proiettato in Italia come evento speciale solo il 23-24-25 gennaio e poi in replica il 31 gennaio e 1 febbraio, Your Name è l’ultimo film di Makoto Shinkai. Giovane promessa dell’animazione giapponese, Makoto Shinkai è senza alcun dubbio uno dei miei registi preferiti, anche se quando viene definito come il nuovo Miyazaki sono tra le prime a pensare che sia un’esagerazione. Innanzitutto, con Miyazaki, Makoto Shinkai centra ben poco. I suoi lavori non sono intrisi di significati, tradizioni e scenari traboccanti di immagini come troviamo in capolavori del tipo La città incantata, Il castello errante di Howl, Principessa Mononoke. Accostare Shinkai a Miyazaki è come voler paragonare Monet a Caravaggio. Non centrano nulla. E sono anche, inevitabilmente, su livelli diversi. Ma se confrontiamo i film di Makoto Shinkai con altri lavori dello Studio Ghibli, come La collina dei papaveri di Goro Miyazaki (il figlio di Miyazaki), Arrietty, I racconti di Terramare, allora ci rendiamo conto che Makoto Shinkai non può passare inosservato e che rappresenta “il meglio” che l’animazione giapponese può offrirci, volendo discostarsi dalle vie già tracciate. Makoto Shinkai è però il meglio “in potenza” e non di diritto, gli ultimi suoi lavori, Il Giardino delle Parole e Your Name, non sono esenti da difetti, pur lasciando senza parole per quanto essi siano avanti dal punto di vista delle animazioni, dei fondali e delle idee. Già quando uscì “Voices of Distant Star” nel 2002, il suo primo lavoro realizzato con pochissimi mezzi, acerbo, pieno di difetti, il talento di Shinkai non passò inosservato. Il giovane regista, che all’epoca non aveva neanche trent’anni, espose già in quel primo OAV tutte le sue idee che poi furono sviscerate e raffinate nei film successivi: su tutti 5 cm per second, l’unico vero capolavoro che gli si possa attribuire, esente da sbavature, dalle insufficienze di un regista così complesso da risultare in effetti più di una volta confusionario, e che invece di avviarsi alla maturità negli anni sembra ritornare indietro, percorrendo forse anche qualche scorciatoia commerciale.
La distanza è uno dei temi ricorrenti di Makoto Shinkai. Egli è inevitabilmente un regista di indole romantica, ossessionato dal tema della distanza, dai cieli ampissimi e ricchi di dettagli sempre diversi, e dalle stelle. In Your Name questi concetti ritornano tutti. E’ il proseguimento di un discorso che per Shinkai non era stato sufficientemente approfondito in Voices of distant star, Beyond the clouds e 5 cm per second (in cui a mio avviso raggiunge il massimo, e da qui in poi può solo ritornare indietro) ma anche in Viaggio verso Agharta, e che egli continua a fare, come inceppato sempre sullo stesso sogno ossessivo e ricorrente. Egli lo coniuga ancora una volta, in un film visivamente ancor più straordinario ma dotato di un taglio meno sottile, una sceneggiatura più veloce, adatta al grande pubblico (anche molto giovane) nella quale però sfuggono in continuazione, irrequieti, i dettagli che fanno la differenza tra un film romantico meramente commerciale e il capolavoro. Così il capolavoro risulta imbrigliato in una sceneggiatura a tratti infantile e che va avanti troppo spesso ripetendo la stessa cosa, impiastricciato in una trama vistosa e un po’ stucchevole. Il film, che dura 107 minuti, è troppo lungo (nella necessità di dispiegare una trama che altrimente non sarebbe riuscita ad avere senso: ma sarebbe stata preferibile se lasciata con un certo fascino di storia incompiuta), forse per la paura dell’autore di non incorrere nell’errore del Giardino delle parole, che risultava, al contrario, troppo corto (46 minuti).
Le uniche cose in cui Makoto Shinkai va qui veramente avanti, sono i fondali e le animazioni, che risultano, film dopo film, sempre più straordinari. La luminosità dell’acqua, il fascino dei luoghi, la piccola cittadina di montagna di Itomori in cui vive Mitsuha.

Il lago di Itomori sul quale il paese si affaccia è ispirato al lago Suwa (prefettura di Nagano), ma prendeva in realtà come primo modello il lago Matsubara della città di Koumi, 5700 abitanti, paese di origine di Makoto Shinkai.

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Il paese di Itomori nel film

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Il lago Suwa, nella prefettura di Nagano

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Itomori mi ha ricordato il piccolo paese in cui era ambientato Higurashi no naku koro ni, ma il luogo in cui si svolge la scena finale, sulle montagne alle spalle di Itomori, ricorda inevitabilmente il finale del Castello Errante di Howl. Seppur diversi essi sono dei luoghi che rappresentano “il mondo interiore” dei personaggi, in cui il tempo appare immobile ed è possibile riflettere. In questo forse si accomunano Miyazaki e Shinkai: le loro ambientazioni sono così vive da dare la sensazione di esserci già stati, non solo nel film, ma nella realtà. Le strade di campagna di Beyond the clouds e le sue nuvole, la scuola di Voices of Distant Star, i petali di ciliegio ed i passaggi a livello di 5 cm per second, i suoi treni, ed infine anche il paese di Itomori, sono luoghi dove io sono stata e che mi appartengono, come un lungo sogno che ho fatto più volte per anni e che alla fine Shinkai ha messo in un film. In questo Shinkai è incredibilmente moderno, rappresentazione del fascino di una generazione straziata dalla distanza, straziata da cieli straordinari che si accostano al malessere dei telefoni cellulari, di strade vorticose, ripiegati su se stessi in un “non essere”. La protagonista di Your Name, Mitsuha, residente a Itomori, vive una vita che è il contrario di quella di Taki, un ragazzo di Tokyo. Mitsuha è chiusa in un paese di 1500 abitanti in cui non esiste nemmeno una caffetteria, dedita – per costrizione della nonna – all’arte dell’intreccio. Si intrecciano così i fili del destino, in uno scambio tra i due ragazzi che avviene con una modalità simile a quella del sogno, ma che lascia effetti visibili nella realtà. Senza averlo deciso, almeno due o tre volte a settimana, Mitsuha si sveglia nel corpo di Taki, a Tokyo, e Taki nel corpo di Mitsuha.

Come dicevo, questa è solo una diversa coniugazione di 5 cm per second, un’allegoria di una storia che avrebbe potuto esistere anche privata dell’elemento fantastico, e di come Shinkai giri intorno “sempre alla stessa cosa”. Shinkai si tradisce, quando parla di “amici virtuali”, e di come i due si lasciassero in continuazione messaggi sul cellulare pur non potendo mai vedersi. Gli amici di Taki prendono in giro Taki quando lo accompagnano alla ricerca di Mitsuha, di cui il ragazzo in effetti non sa niente. Per Taki e Mitshua è come se si fossero scambiati le loro vite, pur non sapendo niente l’uno dell’altro, qualcosa di tipico quando la distanza ed il tempo separano due persone e c’è solo il racconto di una vita immaginata, che si vive momento per momento, ma resta distante. Anche in 5 cm per second c’era questo, e in Voices of distant star anche: i continui messaggi attraverso il cellulare di due persone che non potevano mai incontrarsi. Come in 5 cm per second, si ripresenta la consapevolezza che la vita debba scorrere in un modo giusto (Taki ha un appuntamento con una ragazza che gli piace, nella sua stessa città, appuntamento organizzato da Mitsuha, nonostante ne scateni la sua tristezza e gelosia) e contemporaneamente l’impossibilità di metterla in pratica, a causa di un legame con una persona lontana che mantiene in un limbo in cui non accade nulla. Il finale di 5 cm per second e Your Name si assomigliano, con una differenza però sostanziale: mentre in 5 cm per second i due protagonisti sembrano continuare a perdersi per tutta la vita, Your name rappresenta una versione spensierata e felice del problema della perdita (seppur un malessere di fondo accompagni sempre un film ricco di elementi divertenti); nel finale i due si riconoscono incrociandosi mentre camminavano in direzioni opposte.
Ci sarebbe ancora molto da dire. Come in Voices of distant star (e non  in 5 cm per second), in Your Name le linee temporali dei due personaggi sono sfalsate: egli vivono e si conoscono “a 3 anni di distanza”. Taki conosce la Mitsuha di 3 anni prima, come se a separarli non fosse solo la presenza fisica, la diversità dei luoghi, ma anche il tempo. Ed inoltre, essi non riescono, quasi mai, a ricordare i loro nomi, da cui il titolo “Your name“.
Il regista giustifica queste scelte in un messaggio ai fan italiani all’inizio del film, dicendo che da qualche parte per tutti c’è una persona importante che dobbiamo ancora incontrare, e che spera che il film lasci in noi una sensazione di felicità. Ma sembra lui stesso ingarbugliarsi tra passato e futuro, nei tre anni indietro, nel portarci indietro e poi avanti, in continuazione, in mondi che ha creato e poi rubato (Itomori è ispirato al suo paese natale, Koumi), in qualcosa che abbiamo già incontrato. Forse l’amore per Shinkai è una sorta di déjà vu, un’appartenenza che non si recide mai, che esiste ancora prima di iniziare.

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Il lago Matsubara nei pressi di Koumi, paese di origine dell’autore

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l luogo della scena finale del Castello errante di Howl

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Una delle citazioni più abusate di sempre.

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In quel momento apparve la volpe.

Buongiorno – disse la volpe.
Buongiorno – rispose gentilmente il piccolo principe, voltandosi: ma non vide nessuno.
Sono qui, – disse la voce – sotto il melo…
Chi sei? – domandò il piccolo principe. – Sei molto carino…
Sono una volpe – disse la volpe.
Vieni a giocare con me – le propose il piccolo principe – sono cosi’ triste…
Non posso giocare con te – disse la volpe – non sono addomesticata.
Ah! Scusa – fece il piccolo principe.
Ma dopo un momento di riflessione soggiunse:
Che cosa vuol dire “addomesticare”?
Non sei di queste parti, tu – disse la volpe – che cosa cerchi?
Cerco gli uomini – disse il piccolo principe.Che cosa vuol dire “addomesticare”?
Gli uomini – disse la volpe – hanno dei fucili e cacciano. E’ molto noioso! Allevano anche delle galline. E’ il loro solo interesse. Tu cerchi delle galline?
No – disse il piccolo principe. – Cerco degli amici. Che cosa vuol dire “addomesticare”?
E’ una cosa da molto dimenticata. Vuol dire “creare dei legami”…
Creare dei legami?
Certo – disse la volpe. – Tu, fino ad ora, per me, non sei che un ragazzino uguale a centomila ragazzini. E non ho bisogno di te. E neppure tu hai bisogno di me. Io non sono per te che una volpe uguale a centomila volpi. Ma se tu mi addomestichi, noi avremo bisogno l’uno dell’altro. Tu sarai per me unico al mondo, e io sarò per te unica al mondo.
Comincio a capire – disse il piccolo principe. – C’è un fiore… Credo che mi abbia addomesticato…
E’ possibile, disse la volpe. – Capita di tutto sulla Terra.
Oh! Non è sulla Terra – disse il piccolo principe.
La volpe sembro’ perplessa:
Su un altro pianeta?
Si.
– Ci sono dei cacciatori su questo pianeta?
– No.
– Questo mi interessa! E delle galline?
– No.
– Non c’è niente di perfetto – sospirò la volpe.
Ma la volpe ritornò alla sua idea:
– La mia vita è monotona. Io do la caccia alle galline, e gli uomini danno la caccia a me. Tutte le galline si assomigliano, e tutti gli uomini si assomigliano. E io mi annoio, perciò. Ma se tu mi addomestichi, la mia vita sarà come illuminata. Conoscerò un rumore di passi che sarà diverso da tutti gli altri. Gli altri passi mi fanno nascondere sottoterra. Il tuo, mi farà uscire dalla tana, come una musica. E poi, guarda! Vedi, laggiù in fondo, dei campi di grano? Io non mangio il pane e il grano per me è inutile. I campi di grano non mi ricordano nulla. E questo è triste! Ma tu hai i capelli color dell’oro. Allora sarà meraviglioso quando mi avrai addomesticato. Il grano, che è dorato, mi farà pensare a te. E amerò il rumore del vento nel grano.

La volpe tacque e guardò a lungo il piccolo principe:
– Per favore, addomesticami – disse.